अमेरिकी कलाकार। दुनिया को हैरान करने वाले 7 मास्टर्स
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अमेरिकी कलाकार बहुत विविध हैं। सार्जेंट की तरह कोई स्पष्ट महानगरीय था। वह मूल रूप से एक अमेरिकी है, लेकिन अपने लगभग पूरे वयस्क जीवन के लिए लंदन और पेरिस में रहा है।
उनमें से प्रामाणिक अमेरिकी भी हैं, जिन्होंने रॉकवेल की तरह केवल अपने हमवतन लोगों के जीवन को चित्रित किया।
और इस दुनिया में पोलक जैसे कलाकार भी हैं। या जिनकी कला उपभोक्ता समाज की उपज बन गई है। यह, ज़ाहिर है, वारहोल के बारे में है।
हालांकि, वे सभी अमेरिकी हैं। स्वतंत्रता-प्रेमी, निर्भीक, उज्ज्वल। उनमें से सात के बारे में नीचे पढ़ें।
1. जेम्स व्हिस्लर (1834-1903)
व्हिस्लर को शायद ही असली अमेरिकी कहा जा सकता है। बड़े होकर, वह यूरोप में रहता था। और उन्होंने अपना बचपन बिल्कुल ... रूस में बिताया। उनके पिता ने सेंट पीटर्सबर्ग में एक रेलवे का निर्माण किया।
यह वहाँ था कि लड़के जेम्स को कला से प्यार हो गया, अपने पिता के कनेक्शन के लिए हर्मिटेज और पीटरहॉफ का दौरा किया (तब वे अभी भी जनता के लिए बंद महल थे)।
व्हिस्लर क्यों प्रसिद्ध है? यथार्थवाद से लेकर स्वरवाद* तक वह जिस भी शैली में चित्र बनाते हैं, उन्हें लगभग तुरंत ही दो विशेषताओं से पहचाना जा सकता है। असामान्य रंग और संगीत के नाम।
उनके कुछ चित्र पुराने उस्तादों की नकल हैं। जैसे, उदाहरण के लिए, उनका प्रसिद्ध चित्र "द आर्टिस्ट्स मदर"।
कलाकार ने हल्के भूरे से गहरे भूरे रंग के रंगों का उपयोग करके अद्भुत काम किया है। और कुछ पीला।
लेकिन इसका मतलब यह नहीं है कि व्हिस्लर को ऐसे रंग पसंद थे। वह एक असाधारण व्यक्ति थे। वह आसानी से समाज में पीले मोजे में और एक चमकदार छतरी के साथ दिखाई दे सकता था। और यह तब होता है जब पुरुष विशेष रूप से काले और भूरे रंग के कपड़े पहनते हैं।
उनके पास "माँ" की तुलना में बहुत हल्के काम भी हैं। उदाहरण के लिए, सिम्फनी इन व्हाइट। इसलिए प्रदर्शनी में पत्रकारों में से एक ने तस्वीर को बुलाया। व्हिस्लर को यह विचार पसंद आया। तब से, उन्होंने अपने लगभग सभी कार्यों को संगीतमय तरीके से बुलाया।
लेकिन तब 1862 में जनता को सिम्फनी पसंद नहीं आई। फिर से, व्हिस्लर की विशिष्ट रंग योजनाओं के कारण। सफेद पृष्ठभूमि पर सफेद रंग में एक महिला को लिखना लोगों को अजीब लगता था।
तस्वीर में हम व्हिस्लर की लाल बालों वाली मालकिन को देखते हैं। प्री-राफेलाइट्स की भावना में काफी। आखिरकार, तब कलाकार प्री-राफेलिज्म के मुख्य आरंभकर्ताओं में से एक गेब्रियल रॉसेटी के दोस्त थे। सौंदर्य, लिली, असामान्य तत्व (भेड़िया त्वचा)। सब कुछ वैसा ही है जैसा होना चाहिए।
लेकिन व्हिस्लर जल्दी ही प्री-राफेलिज्म से दूर हो गए। चूंकि यह बाहरी सुंदरता नहीं थी जो उसके लिए महत्वपूर्ण थी, बल्कि मनोदशा और भावनाएं थीं। और उन्होंने एक नई दिशा बनाई - स्वरवाद।
स्वरवाद की शैली में उनका निशाचर परिदृश्य वास्तव में संगीत जैसा दिखता है। मोनोक्रोम, चिपचिपा।
व्हिस्लर ने खुद कहा था कि संगीत के नाम पेंटिंग, लाइनों और रंग पर ध्यान केंद्रित करने में मदद करते हैं। साथ ही, जगह और चित्रित लोगों के बारे में सोचे बिना।
टोनलिज़्म, साथ ही इसके करीब प्रभाववाद19वीं सदी के मध्य में जनता भी प्रभावित नहीं हुई थी। उस समय प्रचलित यथार्थवाद से बहुत दूर।
लेकिन व्हिस्लर के पास मान्यता के लिए इंतजार करने का समय होगा। उनके जीवन के अंत तक, उनके काम को स्वेच्छा से खरीदा जाएगा।
2. मैरी कसाट (1844-1926)
मैरी कसाट का जन्म एक धनी परिवार में हुआ था। वह एक लापरवाह जीवन जी सकती थी। शादी करो और बच्चे पैदा करो। लेकिन उसने दूसरा रास्ता चुना। पेंटिंग के लिए खुद को ब्रह्मचर्य का व्रत देकर।
उसकी दोस्ती थी एडगर देगास. बुधवार को मिला प्रभाववादियों, हमेशा के लिए इस दिशा से दूर ले जाया गया। और उनकी "गर्ल इन ए ब्लू आर्मचेयर" पहली छापवादी कृति है जिसे जनता ने देखा।
लेकिन किसी को भी यह तस्वीर पसंद नहीं आई। उन्नीसवीं शताब्दी में, बच्चों को आज्ञाकारी रूप से बैठे हुए स्वर्गदूतों के रूप में चित्रित किया गया था, जिसमें घुंघराले कर्ल और गुलाबी गाल थे। और यहाँ एक बच्चा है जो स्पष्ट रूप से ऊब गया है, बहुत आराम की स्थिति में बैठा है।
लेकिन यह मैरी कसाट थीं, जिनके कभी अपने बच्चे नहीं थे, जो उन्हें स्वाभाविक रूप से चित्रित करने वाले पहले व्यक्ति थे।
उस समय के लिए, कसाट में एक गंभीर "दोष" था। वह एक महिला थी। वह प्रकृति से पेंट करने के लिए अकेले पार्क जाने का जोखिम नहीं उठा सकती थी। खासतौर पर ऐसे कैफे में जाने के लिए जहां दूसरे कलाकार इकट्ठा होते हों। सारे पुरुष! उसके लिए क्या बचा था?
संगमरमर की चिमनियों और महंगे चाय के सेट के साथ रहने वाले कमरे में नीरस महिला चाय पार्टियों को लिखें। जीवन मापा और अंतहीन उबाऊ है।
मैरी कसाट ने मान्यता की प्रतीक्षा नहीं की। सबसे पहले, उसे उसके प्रभाववाद और माना जाता है कि अधूरी पेंटिंग के लिए खारिज कर दिया गया था। फिर, पहले से ही 20 वीं शताब्दी में, यह तेजी से "पुराना" था, क्योंकि आर्ट नोव्यू फैशन में था (Klimt) और फौविज्म (मैटिस).
लेकिन वह अंत तक अपने स्टाइल पर खरी रहीं। प्रभाववाद। नरम पेस्टल। बच्चों के साथ माताएँ।
पेंटिंग के लिए कसाट ने मातृत्व को त्याग दिया। लेकिन स्लीपिंग चाइल्ड जैसे नाजुक कार्यों में उसकी स्त्रीत्व तेजी से प्रकट हुई। यह अफ़सोस की बात है कि एक रूढ़िवादी समाज ने एक बार उसे इस तरह की पसंद से पहले रखा था।
3. जॉन सार्जेंट (1856-1925)
जॉन सार्जेंट को यकीन था कि वह जीवन भर एक चित्रकार रहेगा। करियर अच्छा चल रहा था। अभिजात वर्ग ने उसे आदेश देने के लिए लाइन में खड़ा किया।
लेकिन एक बार कलाकार ने समाज की राय में हद पार कर दी। अब हमारे लिए यह समझना मुश्किल है कि फिल्म "मैडम एक्स" में इतना अस्वीकार्य क्या है।
सच है, मूल संस्करण में, नायिका के पास छोड़े गए ब्रैलेट्स में से एक था। सार्जेंट ने उसे "उठाया", लेकिन इससे मामले को मदद नहीं मिली। आदेश कुछ भी नहीं आया है।
जनता ने क्या अश्लील देखा? और तथ्य यह है कि सार्जेंट ने मॉडल को एक अति आत्मविश्वास की मुद्रा में चित्रित किया। इसके अलावा, पारभासी त्वचा और एक गुलाबी कान बहुत वाक्पटु हैं।
तस्वीर, जैसा कि था, कहती है कि बढ़ी हुई कामुकता वाली यह महिला अन्य पुरुषों की प्रेमालाप को स्वीकार करने से पीछे नहीं है। इसके अलावा, शादीशुदा होना।
दुर्भाग्य से, इस घोटाले के पीछे समकालीनों ने उत्कृष्ट कृति नहीं देखी। गहरी पोशाक, हल्की त्वचा, गतिशील मुद्रा - एक साधारण संयोजन जो केवल सबसे प्रतिभाशाली स्वामी द्वारा पाया जा सकता है।
लेकिन अच्छाई के बिना कोई बुराई नहीं है। बदले में सार्जेंट को स्वतंत्रता मिली। उन्होंने प्रभाववाद के साथ और अधिक प्रयोग करना शुरू किया। बच्चों को तत्काल स्थितियों में लिखें। इस तरह "कार्नेशन, लिली, लिली, रोज़" काम दिखाई दिया।
सार्जेंट गोधूलि के एक विशिष्ट क्षण को कैद करना चाहता था। इसलिए मैंने दिन में केवल 2 मिनट काम किया जब रोशनी सही थी। गर्मियों और शरद ऋतु में काम किया। और जब फूल मुरझा गए, तो उसने उन्हें कृत्रिम फूलों से बदल दिया।
हाल के दशकों में, सार्जेंट स्वतंत्रता के स्वाद में इतना डूब गया कि उसने चित्रों को पूरी तरह से छोड़ना शुरू कर दिया। हालांकि उनकी प्रतिष्ठा पहले ही बहाल हो चुकी है। उसने एक मुवक्किल को यह कहते हुए बेरहमी से खारिज कर दिया कि वह उसके दरवाजे को उसके चेहरे से ज्यादा खुशी से रंग देगा।
समकालीनों ने सार्जेंट के साथ विडंबना का व्यवहार किया। आधुनिकता के युग में इसे अप्रचलित मानते हुए। लेकिन समय ने सब कुछ अपनी जगह पर रख दिया।
अब उनका काम सबसे प्रसिद्ध आधुनिकतावादियों के काम से कम नहीं है। खैर, जनता के प्यार की तो बात ही छोड़िए और कुछ मत कहिए। उनके काम की प्रदर्शनी हमेशा बिकती है।
4. नॉर्मन रॉकवेल (1894-1978)
अपने जीवनकाल में नॉर्मन रॉकवेल से अधिक लोकप्रिय कलाकार की कल्पना करना कठिन है। अमेरिकियों की कई पीढ़ियां उनके दृष्टांतों पर पली-बढ़ीं। उन्हें पूरे दिल से प्यार करना।
आखिरकार, रॉकवेल ने आम अमेरिकियों को चित्रित किया। लेकिन साथ ही अपने जीवन को सबसे सकारात्मक पक्ष से दिखा रहे हैं। रॉकवेल न तो दुष्ट पिता या उदासीन माताओं को दिखाना चाहता था। और आप उसके साथ दुखी बच्चों से नहीं मिलेंगे।
उनकी कृतियाँ हास्य, रसीले रंगों और भावों से भरी हुई हैं जिन्हें बहुत ही कुशलता से जीवन से पकड़ा गया है।
लेकिन यह भ्रम है कि रॉकवेल को काम आसानी से मिल गया। एक पेंटिंग बनाने के लिए, वह सही इशारों को पकड़ने के लिए पहले अपने मॉडल के साथ सौ तस्वीरें लेता था।
रॉकवेल के काम का लाखों अमेरिकियों के दिमाग पर जबरदस्त प्रभाव पड़ा है। आखिरकार, वह अक्सर अपने चित्रों की मदद से बात करते थे।
द्वितीय विश्व युद्ध के दौरान, उन्होंने यह दिखाने का फैसला किया कि उनके देश के सैनिक किस लिए लड़ रहे थे। अन्य बातों के अलावा, पेंटिंग "फ्रीडम फ्रॉम वांट" बनाई। थैंक्सगिविंग के रूप में, जिस पर परिवार के सभी सदस्य, अच्छी तरह से खिलाए गए और संतुष्ट, परिवार की छुट्टी का आनंद लेते हैं।
सैटरडे इवनिंग पोस्ट में 50 वर्षों के बाद, रॉकवेल अधिक लोकतांत्रिक लुक पत्रिका में चले गए, जहाँ वे सामाजिक मुद्दों पर अपने विचार व्यक्त करने में सक्षम थे।
उन वर्षों का सबसे चमकीला काम "द प्रॉब्लम वी लिव विथ" है।
यह एक अश्वेत लड़की की सच्ची कहानी है जो एक गोरे स्कूल में गई थी। चूंकि एक कानून पारित किया गया था कि लोगों (और इसलिए शैक्षणिक संस्थानों) को अब नस्लीय आधार पर विभाजित नहीं किया जाना चाहिए।
लेकिन निवासियों के गुस्से का कोई ठिकाना नहीं था। स्कूल जाते समय पुलिस ने बच्ची को पहरा दिया। यहाँ एक ऐसा "नियमित" क्षण है और रॉकवेल को दिखाया गया है।
यदि आप अमेरिकियों के जीवन को थोड़े अलंकृत प्रकाश में जानना चाहते हैं (जैसा कि वे स्वयं इसे देखना चाहते थे), रॉकवेल के चित्रों को अवश्य देखें।
शायद, इस लेख में प्रस्तुत सभी चित्रकारों में, रॉकवेल सबसे अधिक अमेरिकी कलाकार हैं।
5. एंड्रयू वायथ (1917-2009)
रॉकवेल के विपरीत, व्याथ उतना सकारात्मक नहीं था। स्वभाव से एक वैरागी, उसने कुछ भी अलंकृत करने की कोशिश नहीं की। इसके विपरीत, उन्होंने सबसे साधारण परिदृश्य और अचूक चीजों का चित्रण किया। सिर्फ गेहूं का खेत, सिर्फ लकड़ी का घर। लेकिन वह उनमें कुछ जादुई झाँकने में भी कामयाब रहे।
उनका सबसे प्रसिद्ध काम क्रिस्टीना वर्ल्ड है। व्याथ ने एक महिला, अपने पड़ोसी के भाग्य को दिखाया। बचपन से ही लकवाग्रस्त होने के कारण वह अपने खेत के आसपास के क्षेत्र में रेंगती रही।
तो इस तस्वीर में कुछ भी रोमांटिक नहीं है, जैसा कि पहली नज़र में लग सकता है। गौर से देखा जाए तो महिला को दर्द भरा पतलापन होता है। और यह जानकर कि नायिका के पैर लकवाग्रस्त हैं, आप दुख के साथ समझते हैं कि वह अभी भी घर से कितनी दूर है।
पहली नज़र में, व्याथ ने सबसे अधिक सांसारिक लिखा। यहाँ पुराने घर की पुरानी खिड़की है। एक जर्जर पर्दा जो पहले से ही कतरनों में बदलने लगा है। खिड़की के बाहर जंगल में अंधेरा छा जाता है।
लेकिन इस सब में कुछ रहस्य है। कुछ और नज़र।
इसलिए बच्चे बिना पलक झपकाए दुनिया को देखने में सक्षम होते हैं। तो व्याट करता है। और हम उसके साथ हैं।
व्याथ के सभी मामलों को उसकी पत्नी ने संभाला था। वह एक अच्छी आयोजक थीं। यह वह थी जिसने संग्रहालयों और कलेक्टरों से संपर्क किया था।
उनके रिश्ते में रोमांस कम था। संगीत प्रकट होना था। और वह एक साधारण, लेकिन एक असाधारण उपस्थिति के साथ हेल्गा बन गई। ऐसा हम कई कार्यों में देखते हैं।
ऐसा लगता है कि हम केवल एक महिला की फोटोग्राफिक छवि देखते हैं। लेकिन किसी कारण से, इससे अलग होना मुश्किल है। उसकी आँखें बहुत जटिल हैं, उसके कंधे तनावग्रस्त हैं। हम, वैसे ही, उसके साथ आंतरिक रूप से तनाव कर रहे हैं। इस तनाव के लिए स्पष्टीकरण खोजने के लिए संघर्ष।
वास्तविकता को हर विवरण में चित्रित करते हुए, व्याथ ने जादुई रूप से उसे भावनाओं से संपन्न किया जो उदासीन नहीं छोड़ सकती।
कलाकार को लंबे समय तक पहचाना नहीं गया था। अपने यथार्थवाद के साथ, जादुई होने के बावजूद, वह 20 वीं शताब्दी के आधुनिकतावादी रुझानों में फिट नहीं हुआ।
जब संग्रहालय के कर्मचारियों ने उनकी कृतियों को खरीदा, तो उन्होंने ध्यान आकर्षित किए बिना, चुपचाप इसे करने की कोशिश की। प्रदर्शनियां शायद ही कभी आयोजित की जाती थीं। लेकिन आधुनिकतावादियों की ईर्ष्या के लिए, वे हमेशा एक शानदार सफलता रहे हैं। भीड़ में लोग आए। और वे अभी भी आते हैं।
लेख के साथ कलाकार के बारे में पढ़ें क्रिस्टीन की दुनिया। एंड्रयू वायथ की उत्कृष्ट कृति।"
6. जैक्सन पोलक (1912-1956)
जैक्सन पोलक को नजरअंदाज करना असंभव है। उन्होंने कला में एक निश्चित रेखा को पार कर लिया, जिसके बाद पेंटिंग पहले जैसी नहीं रह सकी। उन्होंने दिखाया कि कला में, सामान्य तौर पर, आप सीमाओं के बिना कर सकते हैं। जब मैंने कैनवास को फर्श पर बिछाया और उसे पेंट से बिखेर दिया।
और यह अमेरिकी कलाकार अमूर्तवाद के साथ शुरू हुआ, जिसमें अभी भी आलंकारिक का पता लगाया जा सकता है। 40 के दशक के उनके काम "शॉर्टहैंड फिगर" में हम चेहरे और हाथों दोनों की रूपरेखा देखते हैं। और यहां तक \uXNUMXb\uXNUMXbकि हमारे लिए क्रॉस और शून्य के रूप में प्रतीकों को भी समझा जा सकता है।
उनके काम की प्रशंसा की गई, लेकिन उन्हें खरीदने की कोई जल्दी नहीं थी। वह चर्च के चूहे की तरह गरीब था। और उसने बेशर्मी से पी लिया। सुखी वैवाहिक जीवन के बावजूद। उनकी पत्नी ने उनकी प्रतिभा की प्रशंसा की और अपने पति की सफलता के लिए सब कुछ किया।
लेकिन पोलक मूल रूप से एक टूटा हुआ व्यक्तित्व था। युवावस्था से ही, उनके कार्यों से यह स्पष्ट हो गया था कि शीघ्र मृत्यु उनकी नियति थी।
परिणामस्वरूप यह टूटन उन्हें 44 वर्ष की आयु में मृत्यु की ओर ले जाएगी। लेकिन उसके पास कला में क्रांति लाने और प्रसिद्ध होने का समय होगा।
और उसने इसे दो साल के संयम की अवधि में किया। वह 1950-1952 में फलदायी रूप से काम करने में सक्षम थे। ड्रिप तकनीक में आने तक उन्होंने लंबे समय तक प्रयोग किया।
अपने शेड के फर्श पर एक विशाल कैनवास बिछाते हुए, वह उसके चारों ओर चला गया, जैसा कि चित्र में ही था। और स्प्रे किया या सिर्फ पेंट डाला।
इन असामान्य चित्रों को उनकी अविश्वसनीय मौलिकता और नवीनता के लिए स्वेच्छा से उनसे खरीदा जाने लगा।
पोलॉक प्रसिद्धि से दंग रह गया और एक अवसाद में गिर गया, समझ में नहीं आ रहा था कि आगे कहाँ जाना है। शराब और अवसाद के घातक मिश्रण ने उसके बचने का कोई मौका नहीं छोड़ा। एक बार वह बहुत नशे में पहिए के पीछे हो गया। पिछली बार।
7. एंडी वारहोल (1928-1987)
केवल अमेरिका जैसे उपभोग के पंथ वाले देश में ही पॉप कला का जन्म हो सकता है। और इसका मुख्य सर्जक, निश्चित रूप से, एंडी वारहोल था।
वह सबसे साधारण चीजों को लेने और उन्हें कला के काम में बदलने के लिए प्रसिद्ध हो गए। कैंपबेल के सूप कैन के साथ यही हुआ।
चुनाव आकस्मिक नहीं था। वारहोल की माँ ने अपने बेटे को 20 साल से अधिक समय तक प्रतिदिन यह सूप पिलाया। यहां तक कि जब वे न्यूयॉर्क चले गए और अपनी मां को अपने साथ ले गए।
इस प्रयोग के बाद, वारहोल को स्क्रीन प्रिंटिंग में दिलचस्पी हो गई। तब से, उन्होंने पॉप सितारों की तस्वीरें लीं और उन्हें अलग-अलग रंगों में रंग दिया।
इस तरह उनकी प्रसिद्ध चित्रित मर्लिन मुनरो दिखाई दीं।
ऐसे कई मर्लिन एसिड रंगों का उत्पादन किया गया था। कला वारहोल धारा पर डाल दिया। जैसा कि एक उपभोक्ता समाज में अपेक्षित है।
चित्रित चेहरों का आविष्कार वारहोल ने एक कारण से किया था। और फिर, माँ के प्रभाव के बिना नहीं। एक बच्चे के रूप में, अपने बेटे की लंबी बीमारी के दौरान, उसने उसे रंग भरने वाली किताबों के पैकेट खींचे।
बचपन का यह शौक कुछ इस तरह बढ़ गया कि यह उनका कॉलिंग कार्ड बन गया और उन्हें शानदार रूप से समृद्ध बना दिया।
उन्होंने न केवल पॉप सितारों को चित्रित किया, बल्कि अपने पूर्ववर्तियों की उत्कृष्ट कृतियों को भी चित्रित किया। समझ गया और "शुक्र" बॉटलिकेली.
मर्लिन की तरह शुक्र ने भी बहुत कुछ किया है। कला के एक काम की विशिष्टता को वारहोल द्वारा पाउडर में "मिटाया" जाता है। कलाकार ने ऐसा क्यों किया?
पुरानी कृतियों को लोकप्रिय बनाने के लिए? या, इसके विपरीत, उनका अवमूल्यन करने का प्रयास करें? पॉप सितारों को अमर करने के लिए? या मौत को विडम्बना के साथ मसाला?
मैडोना, एल्विस प्रेस्ली या लेनिन के उनके चित्रित कार्य कभी-कभी मूल तस्वीरों की तुलना में अधिक पहचानने योग्य होते हैं।
लेकिन उत्कृष्ट कृतियों की देखरेख की संभावना नहीं है। वही सब, आदिम "शुक्र" अमूल्य रहता है।
वारहोल एक उत्साही पार्टी-गोअर था, जो बहुत से बहिष्कृत लोगों को आकर्षित करता था। नशा करने वाले, असफल अभिनेता या सिर्फ असंतुलित व्यक्तित्व। जिनमें से एक ने उसे एक बार गोली मार दी थी।
वारहोल बच गया। लेकिन 20 साल बाद, एक बार घायल हुए घाव के परिणामों के कारण, वह अपने अपार्टमेंट में अकेले मर गया।
यूएस मेल्टिंग पॉट
अमेरिकी कला के संक्षिप्त इतिहास के बावजूद, सीमा विस्तृत है। अमेरिकी कलाकारों में प्रभाववादी (सार्जेंट), और जादुई यथार्थवादी (व्याथ), और अमूर्त अभिव्यक्तिवादी (पोलॉक), और पॉप कला (वारहोल) के अग्रदूत हैं।
खैर, अमेरिकियों को हर चीज में पसंद की आजादी पसंद है। सैकड़ों संप्रदाय। सैकड़ों राष्ट्र। सैकड़ों कला निर्देश। इसलिए वह संयुक्त राज्य अमेरिका का पिघलने वाला बर्तन है।
*टोनलिज़्म - ग्रे, नीले या भूरे रंग के मोनोक्रोम परिदृश्य, जब छवि कोहरे में होती है। टोनलिज़्म को प्रभाववाद की एक शाखा माना जाता है, क्योंकि यह कलाकार के प्रभाव को बताता है कि उसने क्या देखा।
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टिप्पणियाँ अन्य पाठक निचे देखो. वे अक्सर एक लेख के लिए एक अच्छा जोड़ होते हैं। आप पेंटिंग और कलाकार के बारे में अपनी राय भी साझा कर सकते हैं, साथ ही लेखक से एक प्रश्न भी पूछ सकते हैं।
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